domingo, janeiro 24, 2010

Destaque: My Bloody Valentine - "Loveless"

No dia 4 de Novembro de 1991 era lançado para o mercado discográfico Loveless, o segundo e último álbum de estúdio dos My Bloody Valentine.
O Ruído Alternativo faz a merecida homenagem a este trabalho e revisita-o 19 anos após a sua edição.

Uma das bandas que permitiu que o shoegaze se desenvolve-se foram os Velvet Underground, nos anos 60, mais tarde os Jesus And Mary Chain, com Psychocandy (1985), forneceram ao público as coordenadas para este novo género musical: distorção, guitarras fortes e ruidosas, dificuldade em distinguir cada um dos instrumentos, vozes limpas e tímidas, melodias delicadas com um sentido muito pop num ambiente sobrecarregado de distorções e efeitos.

"Shoegaze" foi o nome atribuído a este tipo de música porque os executantes da mesma, quando actuavam ao vivo, pareciam estar no seu próprio mundo, apresentavam-se como pessoas muito tímidas, não interagiam com o público, não tinham problemas com a qualidade do espectáculo apresentado e chegavam ao ponto de olhar para o chão todo o concerto - o que foi considerado o mesmo que olhar para os sapatos, daí o shoegaze.

Os irlandeses My Bloody Valentine são uma das bandas de culto mais acarinhadas de sempre. Com uma discografia só com dois álbuns longa duração mas repleta de EPs, a banda que nasceu em 1983, há muito que evidenciava a sua qualidade. Ao longo da sua carreira a banda foi conseguindo criar o seu nicho de fãs que, rapidamente, se transformou num público de maior escala. No entanto, nem todos os fãs de rock abriram mão ao shoegaze dos My Bloody Valentine numa época em que grunge subia ao Olimpo.

A imprensa mais alternativa já tinha elogiado a sua estreia de 1988 com Isn't Anything, e diversos EPs da banda, mas Loveless, que levou dois anos a ser gravado, permitiu a que este género mais underground chegasse a outros públicos. Há ainda quem considere que este álbum dos My Bloody Valentine é o melhor de 1991, colocando-o à frente de Nevermind dos Nirvana, por exemplo - o álbum que revolucionou a indústria da música.
Hoje em dia o shoegaze já se desmembrou em vários subgéneros, os tempos de glória deste género já passaram mas muitas são as bandas que actualmente são influenciadas pelos My Bloody Valentine, estes que após uma pausa de 10 anos voltaram em 2007. A banda encontra-se a fazer vários concertos um pouco por todo o mundo e Portugal já recebeu a sua visita.
Destacado:
  • "Sometimes";
  • "Blown A Wish";
  • "I Only Said";
  • "Soon";

sábado, janeiro 23, 2010

A Análise: Dan Auerbach - "Keep It Hid"

Um dos nomes incontornáveis no rock mais clássico da ultima década são os Black Keys. O vocalista do duo norte-americano aventurou-se no ano passado numa carreira a solo.
Sempre com o blues rock nas veias, Dan Auerbach experimenta em Keep It Hid, o seu trabalho de estreia a solo, misturar o estilo com vertentes mais folk. Não era de esperar que o músico com uma brilhante carreira nos The Black Keys se aventurasse numa carreira a solo para fazer uma cópia da sonoridade que desenvolve na banda. Assim, este Keep It Hid remete-nos para um ambiente sonoro diferente do ambiente dos Black Keys.
Keep It Hid é um registo bem mais calmo que qualquer registo do principal projecto de Dan Auerbach. A postura "à la" Neil Young que o músico apresenta no seu trabalho de estreia a solo não lhe assenta nada mal [ouvir "Trouble Weighs A Ton" e "Whispered Words (Pretty Lies)"]. Talvez para não haver um corte tão radical com as sonoridades praticadas na sua banda, em Keep It Hid Auerbach aposta em músicas como "I Want Some More" e "Heartbroken In Disrepair", músicas que nos remetem para o universo blues rock.
A atenção dada por algumas das mais importantes publicações músicas a Keep It Hid revela bem ao nível a que já chegou a carreira dos Black Keys. Não é de estranhar, por isso que o primeiro álbum a solo de Dan Auerbach tenha recebido boas críticas de instituições como a Paste Magazine e a Pitchfork Media.
Mesmo sem merecer a atenção do grande público, e críticas das publicações especializadas aparte, Keep It Hid continua a ser um grande álbum. Especialmente pela coragem demonstrada por Auerbach em sair de um ambiente sonoro confortável para ele [e onde sabe que terá grande aceitação] e partir para uma carreira a solo onde percorre outros caminhos. Seja a solo, seja na sua banda, o mundo da música agradece a presença assídua de Dan Auerbach.
André Beda
Dan Auerbach será, com toda a certeza, um nome desconhecido para a maioria do público nacional, mas se dissermos que este músico é uma das metades dos The Black Keys, muitas vezes comparados aos White Stripes, outro duo blues garage rock, talvez já não se estranhe tanto a pessoa.
Reza a lenda que este músico, com cinco álbuns originais com os Black Keys, é fã assumido dos Led Zeppelin, The Who, ZZ Top ou AC/DC; pontos de referência para o seu primeiro álbum a solo, lançado em Fevereiro de 2009 e, claro, para a sua música nos Black Keys.
Depois de em 2008 ter lançado com Patrick Carney Attack & Release, o quinto álbum dos Black Keys, que lhes permitiu ter rasgados elogios da crítica musical, Dan Auerbach aventurou-se em 2009 numa carreira a solo, que não lhe correu nada mal.
Keep It Hid foi o nome que deu a esta sua estreia a solo, produzido pelo próprio, e que continua a percorrer ambientes que já lhe são familiares: o blues e o garage rock. Teve vários convidados, entres os quais se destacam a vocalista country Jessica Lea Mayfield, que na faixa "When The Night Comes" assume parte das vozes, uma balada acústica irresistível. No entanto, existem mais baladas que merecem destaque neste álbum, falo de "Trouble Weighs A Ton", em que Auerbach convida James Quine para as vozes, e "Whispered Words (Pretty Lies)", em que Dave Huddleston dá "voz" ao contrabaixo.
No resto do álbum temos: The Who em "Mean Monsoon" e "My Last Mistake", Led Zeppelin em "The Prowl" e "Keep It Hid" e ainda Jimi Hendrix em "I Want Some More" e "Heartbroken, In Disrepair". Tudo referências que fazem de Dan Auerbach um dos mais completos e conhecedores blues-rockers da actualidade.
Keep It Hid pode não ter o mesmo impacto na indústria musical que a carreira dos Black Keys - já elogiados por Robert Plant (Led Zeppelin), Josh Homme (Queens Of The Stone Age), Billy Gibbons (ZZ Top) e Thom Yorke (Radiohead) -, mas é um pequeno grande "capricho" de Dan Auerbach que não passa despercebido aos melómanos espalhados pelo mundo. Uma preciosidade, portanto.
Carlos Montês

A Análise: John Frusciante - "The Empyrean"

The Empyrean, o décimo trabalho da carreira a solo de John Frusciante, saiu no início do ano passado, quatro anos após o seu antecessor Curtains de 2005.
O ano de 2009 para Frusciante, fica obviamente marcado pela sua saída dos Red Hot Chili Peppers e basta ouvir The Empyrean para perceber porque isso acontece. Há muito que os RHCP deixaram de ser um projecto entusiasmante para John Frusciante, tendo em conta o seu trabalho a solo, nos Ataxia e nos The Mars Volta. A grande surpresa é a saída só se ter dado no ano passado.
Mas falando concretamente do novo disco do músico, que afinal é o tema deste artigo, podemos dizer que é mais um disco em que John Frusciante se volta a superar. Quem conhece a carreira a solo de Frusciante sabe do que estou a falar: desde que se aventurou numa carreira a solo, o músico tem explorado ao longo dos vários álbuns que já editou diversas vertentes do rock [rock psicadélico, indie rock...], música electrónica e até vertentes mais extremas de experimentalismo como o avant-garde. Como ilustres convidados na gravação deste disco surgem os bem conhecidos Flea dos RHCP, Johhny Marr dos Smiths e Josh Klinghoffer (o seu substituto nos RHCP).
Conhecido essencialmente pelo seu trabalho como guitarrista, Frusciante revela ser a solo um exímio interprete. Seja nas faixas mais calmas ou nas com mais groove, o timbre algo estranho da voz do músico encaixa que nem uma luva nas suas suaves composições instrumentais. A nível de guitarra, o trabalho de Frusciante ganha uma enorme dimensão em termos dos solos com muito uso do pedal de distorção, uma constante nas sonoridades mais psicadélicas. Alguns temas deste trabalho, quer pela sua duração quer pelas constantes mudanças de ritmo, parecem autênticas viagens sonoras que experimentam diversas abordagens, sendo o caso mais flagrante "Dark Light". Altamente recomendáveis neste disco são também as faixas "God", "Enough Of Me" e a versão de "Song To The Siren", original de Tim Buckley.
A atmosfera sonora e lírica de The Empyrean é uma boa maneira de começar a conhecer a carreira a solo de John Frusciante, embora haja muitos mais discos recomendáveis na sua discografia. Um senhor músico, que agora terá de lidar com uma carreira a solo com níveis de popularidade astronomicamente diferentes daqueles que o músico já gozou nos Red Hot Chili Peppers. Algo que certamente, não assustará Frusciante.
André Beda

John Frusciante, mais conhecido por ter sido o guitarrista dos californianos Red Hot Chili Peppers até ao final do ano passado, lançou no início de 2009 mais um álbum para a sua carreira a solo.
Para quem conheça apenas o seu trabalho nos Red Hot Chili Peppers o espanto será um dos primeiros sentimentos com os quais serão confrontados com a audição deste trabalho. Mas verdade seja dita, com este, John Frusciante chega a uns impressionantes dez trabalhos de originais a solo, sem contar com EPs e bandas sonoras. No entanto, o espanto não se deverá, de certo, pela quantidade mas sim pelo conteúdo. A solo, com o super grupo Ataxia - projecto que juntou o próprio, Joe Lally (Fugazi) e Josh Klinghoffer - ou com os seus amigos de longa data os Mars Volta, John Frusciante revela, há já muito tempo, a sua veia mais experimental, psicadélica, progressiva e alternativa, que o afasta completamente do funk rock elástico dos Peppers. Desde, pelo menos, 1994 - data do lançamento do seu primeiro álbum a solo - que a esquizofrenia do rock é matéria de trabalho para Frusciante, muito provavelmente por estupefacientes que entraram, outrora, na sua vida.
Prefácios aparte, debrucemo-nos então em The Empyrean, o último álbum de Frusciante. Trabalhado durante cerca de dois anos, é tratado pela imprensa como um álbum conceptual, algo que o próprio músico reafirma. No disco existem alguns factos interessantes: a introdução de "Song To The Siren" no alinhamento, original de Tim Buckley, e os convidados de luxo, Flea (Red Hot Chili Peppers) no baixo, o multi-instrumentalista Josh Klinghoffer, já habitué em participações com Frusciante, e ainda Johnny Marr, guitarrista dos extintos Smiths a assumir neste registo a guitarra eléctrica e a acústica.
A sua voz aguda permite que faixas como "Song To The Siren", "Dark Light" ou "After The Ending" se tornem em sublimes sussurros no ouvido. Os pianos "à la rock progressivo" que percorrem o álbum não deixam dúvidas quanto a influências e a introdução de elementos extra-musicais são exemplos do que deve ser feito neste mesmo género: a experimentação mas também uma certa sensibilidade quanto à sua introdução e qualidade. O funk, esse, também não é esquecido; músicas como "Before The Beginning", "Today" ou "Ah Yom", com um ouvido mais atento às guitarras, mostram-no.
The Empyrean, para além de reafirmar Frusciante como um músico de grande valor e com uma amplitude musical vasta, é um álbum que mostra todo o seu universo mais próximo e pessoal - hipnótico mas confortável. Tudo razões para olhar com outros olhos a carreira e o artista que é John Frusciante, um dos melhores da sua geração.
Carlos Montês

Antevisão: Programa 69

Programa:

  • Emissão: 69
  • Destaque: Álbum Revisitado: My Bloody Valentine - Loveless
  • Bandas nacionais: Riding Pânico, Lobster, The Allstar Project, entre outras...
  • Bandas internacionais: Jay Reatard, The Pains Of Being Pure At Heart, Glasvegas, entre outras...
  • Clássicos: The Velvet Underground e The Jesus And Mary Chain
  • Nova música: The Raveonettes e A Place To Bury Strangers
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Pós Programa:

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sexta-feira, janeiro 22, 2010

A Análise: The Mars Volta - "Octahedron"

Se bem se lembram, os Mars Volta tinham um álbum que mereceu o destaque do Ruído Alternativo em 2008. Mais um ano, mais uma review mas os Mars Volta voltam a marcar presença. Um bom sinal.
Octahedron é um álbum radicalmente diferente de The Bedlam In Goliath em todos os sentidos. A maior parte das músicas que compõem este álbum poderiam muito bem ser as que ficaram de fora do registo do anterior por não encaixarem no ritmo alucinante imposto pela banda em The Bedlam In Goliath. Devido ao facto de Omar Rodriguez-Lopez querer um álbum mais calmo e específico ficaram de Octahedron o saxofonista Adrián Terrazas-González e o guitarrista Paul Hinojos, sendo que as únicas guitarras que podemos ouvir neste disco são as de Omar Rodriguez-Lopez e de John Frusciante, colaborador de longa data dos Mars Volta. Para além deste facto Rodriguez-Lopez e Cedric Bixler-Zavala afirmaram que este era o registo dos The Mars Volta mais próximo do formato acústico.
Convém referir que nesta altura os The Mars Volta já são vistos como um dos projectos de rock alternativo mais atractivos. Talvez esse facto, aliado às mentes Omar Rodriguez-Lopez e Cedric Bixler-Zavala não pararem de criar música, tenha contribuído para o lançamento de dois registos num curto espaço de tempo. Houve a preocupação de que o primeiro single não fosse um corte brusco com o som de The Bedlam In Goliath, daí a escolha inteligente de "Cotopaxi". Quanto ao resto do álbum, o ritmo é bastante mais baixo que no seu antecessor, mas a qualidade mantém-se lá. Octahedron é fruto da vontade da banda em explorar diversas formas de abordar o seu rock tipicamente psicadélico e contém grandes músicas com: "Cotopaxi", "Since We've Been Wrong", "Teflon" e "Desperate Graves".
A estratégia de editar este disco quando as pessoas ainda estavam a ressacar The Bedlam In Goliath é que pode não ter sido a melhor. Afinal os Mars Volta já têm um carreira suficientemente sólida para poderem intervalar os seus álbuns de dois em dois ou mesmo de três em três anos. A proximidade entre os dois últimos trabalhos da banda foi prejudicial a Octahedron, que passou bem mais despercebido que o seu antecessor. Facto que não preocupa Omar Rodriguez-Lopez, que está mais interessado em mostrar ao mundo tanta música quanto possível, não só nos Mars Volta mas também nos seus muitos projectos paralelos. E os melómanos agradecem!
André Beda

Se em 2008 a palavra de ordem era a velocidade, em 2009 deixa de o ser.

Desde 2003, com o álbum de estreia, que os Mars Volta vão criando uma assinalável base de fãs de "esquizofrénicos", e com cinco álbuns na carreira, só escaparam os anos 2004 e 2007, a banda de Omar Rodríguez-López e de Cedric Bixler-Zavala volta, em 2009, após o sucesso transversal de The Bedlam In Goliath, a produzir mais um álbum experimental e progressivo, saído duma das bandas de referência na década que terminou.

Os El Grupo Nuevo De Omar Rodriguez Lopez, mais um dos grupos surgidos à volta de toda a inspiração que a dupla Bixler-Zavala e Rodríguez-López dispõe, tinham editado em 2009 o seu álbum de estreia e um mês depois, e como se não tivessem satisfeitos com o que tinham feito, os Mars Volta voltam a lançar novo álbum. Isto só mostra que existem dois homens a que não se pode negar talento, disponibilidade e qualidade no tipo de música que criam: psicadélica, progressiva e experimental; algo que já acontecesse desde meados dos anos 90 mas só com afirmação por parte do público e da imprensa na primeira década deste novo século.

Octahedron foi o nome dado ao sexto álbum da carreira dos Mars Volta, mais uma vez produzido por Omar Rodríguez-López, que difere desde logo na rapidez impressa no seu alinhamento, excepção feita às mais velozes "Cotopaxi" e "Desperate Graves".

"Since We've Been Wrong" abre magnificamente este álbum e antevê o que se pode ouvir nas músicas seguintes: tempo para reflexão, pormenores irresistíveis, complexidade, bizarria, letras permanentemente cuidadas, mas, essencialmente, e mais uma vez refiro, a inexistência de velocidade comparando com o antecessor.

Apesar de mais despercebido do que o antecessor para a maioria do público, Octahedron recebeu, da crítica musical, uma onda de elogios bem melhores do que The Bedlam In Goliath - um dos melhores de 2008. Isto só mostra o distanciamento entre público e a imprensa musical. No entanto, nem todos os melómanos deixaram escapar este novo trabalho dos Mars Volta que consolida a banda como uma das melhores do mundo no género progressivo, psicadélico e experimental.

Carlos Montês

A Análise: Kasabian - "West Ryder Pauper Lunatic Asylum"

Kasabian já não engana ninguém: é selo de qualidade garantida. Este West Ryder Pauper Lunatic Asylum é a maior prova dada do talento da banda britânica. Grande disco!
Durante a década passada fomos sistematicamente bombardeados com "paletes" de bandas vindas das ilhas de sua majestade, umas melhores que outras. Nunca fui dos maiores entusiastas desta vaga de bandas da chamada brit-pop, mas se houve banda que me saltou à vista foram precisamente os Kasabian com o seu álbum de estreia, lançado em 2004. Sem querer ser injusto com as bandas que vou referir, pois uma delas até lançou um excelente álbum este ano, os Kasabian faziam algo diferente da pop-rock orelhuda dos Arctic Monkeys ou da pop dos Kaiser Chiefs - duas das bandas mais publicitadas na altura. Mais ou menos na mesma altura em que tomei contacto com o primeiro álbum dos Kasabian chega Empire, que não recebeu tanta atenção como o álbum homónimo, mas ainda assim confirma o talento do quarteto britânico.
O primeiro sinal do que aí vinha foi o EP Fast Fuse, embora na altura ninguém soubesse que ali moravam duas amostras do novo álbum dos Kasabian ["Fast Fuse" e "Thick As Thieves"], até porque a promoção feita ao EP foi péssima o que acabou por se reflectir nas vendas. O próximo passo a dar era o lançamento de "Vlad The Impaler", em Março de 2009, que assustou muito boa gente. Este tema tinha instrumentalização electrónica como nenhum outro tema dos Kasabian havia tido até à data. West Rider Pauper Lunatic Asylum acaba por chegar às lojas em Junho desse ano.
Talvez "Vlad The Impaler" não tenha sido o melhor cartão de visita do álbum, uma vez que West Rider Pauper Lunatic Asylum é muito mais que esse single. Os Kasabian acabam por fazer um álbum de rock psicadélico no século XXI que não envergonha o passado do género. Não envergonha e, por outro lado, traz o género às gerações mais jovens, que não viveram na altura de Jimi Hendrix, Cream etc. A verdade é que os Kasabian acabam por fazer três álbuns diferentes uns dos outros - estes já não são os Kasabian que lançaram em 2004 o seu álbum de estreia. Em West Rider Pauper Lunatic Asylum a mudança acaba por ser maior pois lá estarão músicas completamente diferentes daquilo que os Kasabian já fizeram, tais como "West Rider Silver Bullet", "Vlad The Impaler" e "Secret Alphabets".
Apesar de tudo, este é o álbum dos Kasabian que vendeu menos até hoje. Acaba por ser normal, pois a sonoridade de West Rider Pauper Lunatic Asylum é menos acessível do que a dos seus antecessores. De qualquer forma West Rider Pauper Lunatic Asylum deverá ter um lugar guardado num cantinho da história do rock dentro de alguns anos.
André Beda

Com muita sinceridade vos digo que West Ryder Pauper Lunatic Asylum, o terceiro álbum de estúdio dos Kasabian, assustou-me no início, e não foi pelo nome. Para um fã da banda desde a primeira hora e do primeiro álbum, como eu, "Vlad The Impaler", disponibilizado para download gratuito no site da banda três meses antes do lançamento do álbum, assustou-me pela linha que a banda impôs nesta música, em particular. Era ainda mais electrónica do que o habitual e a entoação muita britânica da letra estavam afastar-me deles, apesar de reconhecer o mérito da letra desta música: "Get loose get loose", frase várias vezes repetida no refrão, enfeitiça qualquer um. No entanto, o meu maior medo era a perca da identidade rock na música dos Kasabian. E, como se veio a revelar, tal não aconteceu.

Demorei cerca de um a dois meses a dissecar o terceiro álbum dos Kasabian. Percebe-se que 2009 é o ano da afirmação mundial dos Kasabian com este novo West Ryder Pauper Lunatic Asylum e a evolução de Kasabian (2004) - o álbum - até este novo trabalho, passando por Empire (2006), é de assinalar. Valeu a pena esperar mais um ano do que é normal!

Os quatro singles até agora escolhidos para promover o álbum, "Vlad The Impaler", "Fire", "Where Did All The Love Go?" e "Underdog", são permanentes orgasmos musicais presentes neste álbum de enorme qualidade. A fusão da electrónica com o rock, algum psicadelismo à mistura e algum sentido pop na interpretação das músicas, revela uns Kasabian sem preconceitos, cheios de inspiração e a justificar uma carreira que, desde o álbum de estreia, tenta fazer exactamente isso: aperfeiçoar uma fórmula que desde sempre é sua, o rock mais a electrónica.

Há quem diga que os Kasabian irão ocupar o lugar deixado pelos Oasis - que deixaram os palcos e álbuns em 2009 - muito pela voz de Tom Meighan, vocalista dos Kasabian, muito semelhante ao timbre de voz de Liam Gallagher, dos Oasis, e à pala de músicas como "Take Aim", "Thick As Thieves", "Ladies And Gentlemen, Roll The Dice", "Secret Alphabets" ou "Happiness", mas os Kasabian mostraram, com clareza, que conseguem trilhar o seu próprio caminho no Reino Unido e no resto do mundo. O sucesso e a crítica a West Ryder Pauper Lunatic Asylum não o escondem.

Como um anúncio de televisão dizia: se poderíamos viver sem o novo e último álbum dos Kasabian em 2009? "Podíamos, mas não era a mesma coisa."
Carlos Montês

quinta-feira, janeiro 21, 2010

A Análise: Placebo - "Battle For The Sun"

Sejamos directos: Battle For The Sun é o álbum em que os Placebo deixam de seguir caminhos mais experimentais e dão aos fãs um álbum que tem tudo a ver com o início de carreira da banda, um início de carreira no qual os Placebo foram um autêntico fenómeno de popularidade.
Para começar, há que dar uma palavra de reconhecimento ao trabalho do novo baterista da banda. Steve Forrest entrou para os Placebo em 2008 com o pesado fardo de fazer esquecer Steve Hewitt. É verdade que a recuperação da sonoridade dos primeiros álbuns da banda ajudou, e muito, mas poucos serão os que têm saudades de Steve Hewitt.
Battle For The Sun foi descrito pelo próprio Brian Molko desta forma: "Isto não é Hard-Rock, nem Pop-Rock, é provavelmente um Hard-Pop". Possivelmente, em nenhuma apreciação de publicações internacionais encontraremos um termo que descreva tão bem o novo álbum dos Placebo: Hard-Pop. A fazer contraste ao último registo da banda, Meds de 2006, Battle For The Sun é um álbum bem mais pesado. Este facto deve-se essencialmente à componente electrónica mais disfarçada presente neste trabalho, o que o torna em certos momentos "mais hard" que os primeiros álbuns dos Placebo, como certamente Brian Molko diria.
Com a ajuda da primeira música lançada, ainda antes da saída do álbum,"Battle For The Sun" e do super-single "For What Is Worth", Battle For The Sun teve um desempenho acima da média, para uma banda como os Placebo: atingiu o primeiro lugar no top de vendas em França, na Alemanha, na Bélgica, na Suíça e na Áustria, tendo ainda conseguido excelentes vendas na Finlândia, Holanda, Espanha e Portugal, onde de resto atingiu o quarto lugar, o que só vem provar que a banda britânica ainda conta com uma enorme base de fãs no nosso país.
Battle Fot The Sun foi um álbum pensado para que os Placebo recuperassem a influência que um dia já tiveram. Missão cumprida portanto, mas a que preço? Será que os Placebo estarão mesmo dispostos a abdicar de uma via mais experimental a troco de mais discos vendidos? Para já, parece-me óbvio que Battle For The Sun é um bom álbum, se é esta a linha que os Placebo irão seguir não sei, afinal nunca se sabe bem o que esperar de um álbum dos Placebo.
André Beda

Em 2006 os Placebo tinham apresentado Meds, álbum que apenas se aguentou à custa da altamente rodada "Song To Say Goodbye". No entanto, e como foi evidente, muitos fãs da banda mostraram, nessa altura, uma enorme saudade dos Placebo de Without You I'm Nothing (1998), Black Market Music (2000) ou de Sleeping With Ghosts (2003).
Já em 2008, dois anos após Meds, a banda de Brian Molko e de Stefan Olsdal viu o seu melhor baterista de sempre, Steve Hewitt, a sair do conjunto inglês, devido a "diferenças pessoais e musicais" e recrutaram para a bateria o jovem Steve Forrest, de apenas 23 anos, que vindo de uma banda de punk rock de nome Evaline, segurou as percussões do álbum que, no ano seguinte, devolveria aos fãs incondicionais da banda o fulgor sentido no final da década de 90 até meio da década dos zeros.
2009 deu lugar ao lançamento de Battle For The Sun, o sexto álbum dos Placebo, que, com a viciante "Battle For The Sun" como aperitivo, reavivou os momentos mais áureos do grupo. Seguiu-se o single "For What It's Worth" e, já com o álbum lançado, estava confirmado o regresso em grande dos Placebo.
Battle For The Sun dividiu a imprensa musical, mas não deixaram de ser agradáveis algumas das apreciações ao novo álbum dos Placebo. É notoriamente mais pesado do que já fizeram antes e a electrónica ficou para segundo plano, não que isso seja bom sinal por si só. Nota-se cuidado com os pormenores: pianos, violinos, vozes femininas,... mas a pop que eventualmente possa ser mostrada é claramente consumida pelo o espírito alternativo da banda; o seu historial desde sempre mostrou isso.
A banda de Brian Molko regressou, em 2009, de cara lavada, com um álbum que devolveu aos fãs aquilo que queriam desde 2003 e mostra ainda uns novos Placebo. As linhas para aquilo que será o futuro da banda estão aqui lançadas e aquisição do novo e jovem baterista Forrest só uniu ainda mais o conjunto britânico.
Afastada dos ouvidos de alguns rockers de ouvidos mais duros - eles sabem do que falo - os Placebo são claramente um caso de sucesso e conseguiram ultrapassar a fase de Meds que abanou com o sucesso e a estrutura da banda. Teste passado.
Carlos Montês

A Análise: Pearl Jam - "Backspacer"

Segundo os próprios, os Pearl Jam nunca foram um banda de grunge. Na minha opinião até podem ter sido, mas terão deixado de o ser na altura certa. Mesmo a tempo de evitar que a banda se afundasse com o movimento. Tudo isto são aguas passadas, hoje o conjunto de Eddie Vedder é uma das maiores bandas de rock de sempre e prova disso é boa receptividade ao mais recente da banda de Seattle, Backspacer.
Muitos factos poderiam ser referidos acerca deste álbum, mas o que importa salientar é que Backspacer foi o álbum que obteve, logo após ser editado, excelentes reacções por parte dos fãs da banda. Talvez nos últimos 10 anos de Pearl Jam seja difícil encontrar um disco que tenha provocado tão boa impressão entre os fãs. Será que os Pearl Jam chegaram à fase da carreira em que já não é necessário grande esforço para fazer um disco que venda bem? Talvez, mas não é por isso que Backspacer deixa de ser um bom disco.
Se o anterior registo da banda [Pearl Jam, o álbum] traçava uma perspectiva algo negra do estado actual das coisas, não se chamasse o primeiro single "World Wide Suicide", Backspacer parece fazer precisamente o contrário. Talvez os Pearl Jam quisessem que os temas líricos estivessem a condizer com uma atmosfera sonora com influências pop e new wave, mais uma vez a contrastar com o puro rock que se podia ouvir em Pearl Jam. Mudança mais que natural, uma vez que os Pearl Jam foram uma das bandas que mostrou publicamente o seu apoio a Obama como candidato nas presidenciais americanas.
Entre o público, seria dificil conseguir melhores reacções ao álbum. Backspacer consegue agradar não só aos apreciadores de "Even Flow" com as "rockeiras" "Gonna See My Friend", "Got Some", "The Fixer" e "John Guitar", mas também aos apreciadores de "Last Kiss" com a acalmia de "Just Breathe" e "Amongst The Waves".
Por tudo isto, Backspacer, apesar de não ficar para a história como um dos melhores dos Pearl Jam, acaba por marcar o ano de 2009. Boa maneira que os Pearl Jam arranjaram para lembrar que ainda têm milhões de fãs pelo mundo fora.
André Beda

2010 é ano de comemoração do 20.º aniversário dos Pearl Jam, a banda que resistiu à hipotética morte do grunge transformou-se, ao longo de vinte anos, numa das maiores bandas de rock da actualidade. 2009 foi, para além do assinalar da maioridade de Ten, o fantástico e marcante álbum de estreia de 1991 com várias edições de luxo, o ano do lançamento do seu nono álbum de originais, Backspacer.

Três anos após a Pearl Jam - o álbum - a banda de Seattle apresenta um álbum muito menos politizado que o anterior, facto que se deve à eleição de Obama como presidente dos E.U.A. No entanto, não foi este factor que impediu o sucesso imediato de Backspacer.

Este novo disco tem produção de Brendan O'Brien, responsável por trabalhos de bandas como: Stone Temple Pilots, Rage Against The Machine, Incubus, Korn, Papa Roach, Audioslave, Velvet Revolver, The Offspring, Mastodon, AC/DC, Billy Talent, entre outros. O'Brien já trabalhara com os Pearl Jam nos álbuns Vs. (1993), Vitalogy (1994) e ainda em Mirror Ball, interpretado pelos Pearl Jam e Neil Young, e no ano passado juntou-se novamente à banda para mais um álbum de estúdio.

Apesar de parecerem um pouco mais moles na forma como dão força ao seu rock, Backspacer, dos Pearl Jam, apresenta algumas grandes malhas, bem à maneira da linha hard-rock apresentada em "World Wide Suicide", "Life Wasted", "Do The Evolution", "Hail Hail", entre outras.

"Gonna See My Friend", "Got Some", "The Fixer" e "Johnny Guitar" abrem o álbum que, logo com quatro faixas de rajada, deixam o ouvinte sem fôlego. "Just Breathe", mais uma grande balada para uma carreira que tem no seu reportório músicas como "Last Kiss", "Wishlist", "Nothing Man", "Better Man" ou "Black", é a música que se segue, acompanhada pelas também serenas "Amongst The Waves" e "Unthought Known". "Supersonic" teima, e bem, na frase "Supersonic going into my soul", "Speed Of Sound" mostra-se como uma canção de esperança, "Force Of Nature" é comandada por um solo e a acústica "The End", o tipo de canções que sempre resultaram bem na carreira das bandas grunge, fecha mais um álbum que contribui para a estabilização da carreira e do estatuto dos Pearl Jam, numa altura em que nos E.U.A. não têm editora e estão por conta própria.

Backspacer não é a melhor coisa que aconteceu na carreira dos Pearl Jam, mas não deixa de ser um grande álbum de 2009 com o essencial para ser um bom disco. Estão muito perto do patamar onde estão os U2, mas o rock não deixa de ser ponto assente na sua carreira e ainda bem!

Carlos Montês

quarta-feira, janeiro 20, 2010

Sondagem XV: A Escolha É Tua!

Álbum Revisitado: Cream - Disraeli Gears
Género: Blues-rock
Início da sondagem: 20 de Janeiro de 2010
Fim da sondagem: 23 de Feveiro de 2010
Músicas a votos: "Strange Brew", "Sunshine Of Your Love", "World Of Pain", "Dance The Night Away", "Blue Condition", "Tales Of Brave Ulysses", "SWLABR", "We're Going Wrong", "Outside Woman Blues", "Take It Back" e "Mother's Lament"
Data da Emissão: 28/02/2010

A Análise: Arctic Monkeys - "Humbug"

Uma das bandas mais teenager da década mudou, no ano passado, a sua orientação sonora. Esta mudança de som provocou o gáudio de uns e a desilusão de outros. Humbug dos Arctic Monkeys é o álbum no qual a banda parece caminhar a passos largos para a maturidade.
A história começa a escrever-se quando o quarteto de Sheffield convida Josh Homme [para alguns, o grande "rockeiro" dos últimos 15 anos] para co-produzir o álbum. Escusado seria dizer que foi exigido aos Arctic Monkeys que voassem para os E.U.A. Mais propriamente para Mojave Desert, um deserto nas redondezas de Nova Iorque. É no habitat natural do ex-guitarrista dos Kyuss que se desenrola a escrita e gravação de alguns temas de Humbug. Entretanto os Arctic Monkeys lançaram o single "Crying Lightning" [que já tinha alguma rodagem ao vivo], a 6 de Julho passado, que, para quem não se tinha apercebido do que se passava na banda de Alex Turner e companhia, foi um choque. "Onde foi parar a jovialidade e energia dos Arctic Monkeys?" - perguntavam os mais inconformados. Já em Agosto, sai para as lojas Humbug, que vem provar que "Crying Lightning" era apenas a ponta do iceberg.
O crescimento dos Arctic Monkeys está à vista de todos, até dos mais cépticos em relação ao novo álbum da banda britânica. A mudança não se processa apenas no som, mas também na atitude da banda. Há poucos dias assisti a uma entrevista com estes quatro rapazes, na qual eles afirmavam não ser a mesma banda de "Teddy Picker" - um dos temas que afirmam que não voltarão a tocar ao vivo - e que esses tempos já faziam parte do passado. Não deixa de ser uma atitude corajosa cortar com o passado desta forma, um passado que afinal valeu aos Arctic Monkeys fãs pelo mundo fora e milhões de discos vendidos.
Opiniões pessoais aparte, há que reconhecer Humbug como o melhor trabalho dos Arctic Monkeys até hoje. O novo álbum traz participações tão ilustres como as de Alisson Mosshart e Josh Homme [não só a produzir o disco, juntamente com James Ford, mas também a emprestar a sua voz e riffs em algumas faixas]; traz uma série de boas influências como Cream e Jimi Hendrix, mas acima de tudo traz uma nova atitude.
Pelo mundo fora há quem não tenha gostado que as alegres e facilmente digeríveis "I Bet You Look Good On The Dancefloor", "Teddy Picker" e "When The Sun Goes Down" tenham dado lugar à densidade e negridão de "Pretty Visitors", "Potion Approaching" e "My Propeller", mas este era o caminho a seguir. A mudança de som acabaria por se dar à medida que os Arctic Monkeys fossem amadurecendo com músicos e como pessoas e há muito que se adivinhava. Afinal se há coisa que não falta ao quarteto de Sheffield é talento e Humbug é a maior prova disso mesmo.
André Beda
Em 2001 foram os The Strokes a abrir as hostes do indie rock do novo século com Is This It, apelidado como "a salvação do rock", seguiram-se então os sucessos imediatos dos The Libertines, Franz Ferdinand, The Killers, Kaiser Chiefs e mais uma mão cheia de bandas. Mas é em 2006, com Whatever People Say I Am, That's What I'm Not, dos Arctic Monkeys, que o indie rock vindo das ilhas britânicas explode - excepção feita aos The Strokes que vêm dos E.U.A. -, e que se assume como um género mais mainstream, que passa a ser mais rentável e que se desliga finalmente do rótulo imposto no século XX.
Um pouco de história: até finais da última década do século XX, início do século XXI, uma banda era rotulada de "banda indie" quando a sua editora era independente, não pertencia a uma grande editora; hoje em dia "ser uma banda indie" é ter uma sonoridade indie - um género musical facilmente identificável.
Com o primeiro álbum os Arctic Monkeys tornam-se no maior grupo indie a nível mundial e, para além do enorme sucesso em vários tops mundiais, tornam-se numa das bandas mais jovens de sempre da história da música a obter tais façanhas. Pouco mais de um ano passou desde a sua estreia e a banda, oriunda de Sheffield, Inglaterra, edita o seu segundo álbum - Favourite Worst Nightmare, de 2007 - que se mostrou claramente como forma de rentabilizar ainda mais a carreira da banda liderada por Alex Turner. Sentiu-se nesse segundo trabalho um menor cuidado nas letras e até na sua música, algo que a imprensa musical não perdoou. No entanto, o público e os fãs da banda receberam o segundo álbum de braços abertos, o que permitiu a continuação do percurso ascendente do grupo.
Dois anos passaram e, no ano passado, os Arctic Monkeys voltam à carga com mais um novo álbum, desta vez com o seu terceiro de originais, Humbug, que logo à partida trazia uma grande novidade: Josh Homme, homem forte dos Queens Of The Stone Age, Eagles Of Death Metal e dos Them Crooked Vultures, aceitara o convite de produzir este novo álbum da banda com James Ford, este último que já tinha produzido Favourite Worst Nightmare. Advinhava-se aí uma mudança no som dos Arctic Monkeys e expectativas não faltaram.
E assim foi. No dia 30 de Julho a banda colocou no seu site um concerto propositadamente gravado para saciar a sede dos fãs. Nessa jogada de marketing a banda apresentou-se com uma estética lembrando os Doors, mas só 20 dias depois é que se poderia tirar conclusões.
Ao segundo álbum a banda já tinha imposto um negrume pouco usual na sua estreia, o que antevia que ao terceiro registo a exploração desse lado mais obscuro fosse um pouco mais profunda mas com Josh Homme tudo isso foi agravado. Após esse concerto online transmitido para todo o mundo, Humbug saiu para as lojas e notou-se perfeitamente que o contacto com Homme alterou a forma como a banda passa a ver as músicas: mais escuridão, recurso a pianos, o psicadelismo, a rigidez, a força do deserto... Tudo é diferente daquilo que tinham feito antes. Só a calmaria de "Secret Door" e de "Cornerstone" nos consegue fazer lembrar, por momentos, os novatos Arctic Monkeys de Whatever People Say... ou os sobrecarregados Arctic Monkeys de Favourite Worst Nightmare, mas mesmo assim as diferenças são claramente visíveis. [Pelo meio Alison Mosshart (The Kills e The Dead Weather) ainda dá uma perninha em "Fire And The Thud".]
Algumas pessoas sentiram-se "enganadas" com este terceiro trabalho, mas a realidade é esta: a banda britânica ganhou personalidade, deixou as borbulhas e ganhou pêlos na cara. Não seguiram, como a maioria das bandas de indie rock, a electrónica como recurso à inovação do seu próprio som e juntaram ao que já tinham muita cerveja, pujança e um sentido estético que as bandas stoner rock não conseguem incutir no seu som e apresentaram, assim, Humbug.
Ao terceiro álbum os Arctic Monkeys confirmaram, com muita inteligência, a sua posição no mundo da música. Eles são grandes!
Carlos Montês